Y la luz fue hecha

La luna dos veces (detalle) / 1966 / Ensamblaje sobre lienzo y óleo / 130 x 160 cm / Colección particular 

Texto de: Eduardo Serrano

El hecho de que David Manzur no hubiera estado pendiente de los “ismos” como tantos artistas de la segunda mitad del siglo xx, no implica que su trabajo no evolucionara, sino que su desarrollo se iba dando sin saltos apresurados, de acuerdo con sus necesidades expresivas, con sus propios descubrimientos pictóricos, con sus inquietudes intelectuales y con su particular percepción del mundo y de la vida. La luz, por ejemplo, un elemento que ha sido reconocido como responsable en gran parte del logro de sus recientes representaciones de san Sebastián y de san Jorge, se haría perentoria e inequívoca como componente fundamental de sus consideraciones plásticas a partir de la década de los sesenta, es decir, después de su primer período pictórico. Pero aunque desde entonces se constituyera en una constante de su producción, la luz ha tenido diferentes significaciones y ha cumplido distintos cometidos a lo largo de su trayectoria. Por ejemplo: en sus versiones de San Sebastián ha sido clave para las definiciones anatómicas, en los San Jorge ha incrementado la teatralidad de las escenas, en las Naturalezas muertas ha intensificado la contundencia de las formas y en las Transverberaciones de santa Teresa ha cobrado una acepción mística.

La luz fue por primera vez uno de los protagonistas de la obra de Manzur en una exposición en la Biblioteca Luis Ángel Arango (1961), la cual marcaba un claro viraje de su trabajo hacia la abstracción. No hacia la abstracción pura alejada de toda sugerencia de la realidad, sino hacia una abstracción que partía del mundo visible y en particular del tema de la flor, pero de una flor descompuesta, despojada de sus pétalos y esquematizada en una redondez que presagiaba la posterior predisposición del artista por el tema de la Luna. En algunas de estas obras la luz se presta para armoniosas veladuras y en ocasiones sugiere movimiento, pero no es una luz plana ni realista, sino una luz que obedece a prioridades compositivas y que puede iluminar sólo partes de una forma o situarse caprichosamente en sólo un ángulo de la superficie pictórica.

Esta década de los sesenta fue sin duda de gran importancia para David Manzur. Durante su transcurso no sólo se suscitaron las primeras polémicas intelectualmente argumentadas sobre su pintura, sino que su obra se mostró con gran éxito crítico internacionalmente. La polémica se dio, como era de esperarse, entre los dos críticos más aguerridos en la escena artística colombiana de ese momento: Walter Engel y Marta Traba.

La primera en pronunciarse fue Marta Traba quien expresó con contagioso entusiasmo que la mencionada exposición de la Biblioteca Luis Ángel Arango era “excelente” y afirmó a renglón seguido que los trabajos de Manzur “están apoyados sobre sus viejas aptitudes: la de poeta y la de mago. Como poeta esclarece y eleva el tema espinoso de la rosa; como mago escamotea la luz y la hace aparecer y desaparecer cuando se le antoja”.6 Pues bien, estas consideraciones de la crítica impulsaron un disimulado reclamo de Walter Engel quien se apresuró a asegurar que la exposición a él, en cambio, no lo había sorprendido ni lo había dejado perplejo “como a otros que tuvieron que resignarse a reconocer su talento, porque el talento de Manzur era evidente desde hace años”.7

La polémica se extendería posteriormente al calificativo de “expresionismo romántico” que le otorgaron ambos críticos a su pintura y también a la de otros jóvenes como Lucy Tejada y Luciano Jaramillo, calificativo que implicaba cierta influencia de la obra de Alejandro Obregón sobre sus respectivas producciones. Para Marta Traba “esa naturaleza de Obregón es personal, no se puede transmitir de maestro a discípulo porque no se trata de una fórmula ni de un truco particular y no parece posible traspasarla”, razón por la cual los jóvenes debían tomar otra dirección. Para Engel, en cambio, no se trata de una influencia de Obregón sino de una “premisa” por cuanto los mencionados artistas llegaron al “expresionismo romántico” por vías personales y en el caso de Manzur a través “del surrealismo y de la luz teatral” de sus pinturas iniciales.8

Este fue apenas el primero de los debates que se desatarían en relación con el trabajo de Manzur a lo largo de los últimos cincuenta años, pero era conveniente traerlo a colación simplemente para poner de relieve cómo su obra ha sido motor de intensas reflexiones por parte de los críticos y el público, y cómo su trabajo ha despertado grandes pasiones y ha pasado por momentos en los que, como toda obra de arte importante, ha sido incomprendida, prejuzgada o descalificada con argumentos que el tiempo se ha encargado de desvirtuar.

Por otra parte, en esa década de los sesenta Manzur fue invitado a exponer en las salas de la Unión Panamericana en Washington, muestra en la cual, en la misma noche de la inauguración se vendieron todas sus obras. El hecho no implica, por supuesto, un certificado de validez creativa o de calidad de su producción, pero constituye una especie de augurio acerca de la gran receptividad de que habría de gozar su trabajo por parte del público tanto colombiano como internacional desde entonces hasta hoy. Lo que sí resulta diciente sobre los logros de su producción de entonces, es el gran entusiasmo que sus pinturas despertaron en los más reconocidos nombres de la crítica norteamericana como Leslie Judd Ahlander del Washington Post quien también compara su trabajo con el de Obregón pero para definirlo más adelante en los siguientes términos:

“Donde Obregón puede ser brutal, Manzur es afable. Transparentes capas de color parecen flamear y moverse en líquida luz. Muchas de las pinturas tienen títulos que se refieren al mar y muchas parecen pintadas bajo el agua en una extraña atmósfera trasluciente que es casi palpable. La luz es filtrada como vista a través de umbrosas profundidades. El espacio se manifiesta en planos que retroceden y se alejan del espectador hacia distancias infinitas”. 9

También el respetado crítico del New York Times, John Canaday describe el trabajo de Manzur diciendo que “pinta lienzos sueltos y generosos en los cuales ciertos óvalos de luz naufragan hacia el fondo en un silencioso chapoteo de pintura”.10 En esa década su trabajo es igualmente presentado en varios países europeos y particularmente en España donde –sintomático del período– la inauguración de una exposición de artistas colombianos, entre ellos Manzur, fue presidida por el generalísimo Francisco Franco, personaje de no muy gratos recuerdos de la infancia del pintor.

No hay duda de que, además de coincidir estilísticamente dentro del expresionismo, es esta nueva inclinación de Manzur por los temas marinos lo que impele la insistente comparación de su trabajo con el de Obregón, pero el artista seguiría evolucionando a su propio ritmo, enriqueciendo su obra con nuevas consideraciones, con nuevos derroteros y con nuevos objetivos que van consolidando su individualidad. La prestigiosa beca Guggenheim, la cual –en hecho realmente inusual– le fue adjudicada en dos oportunidades, corrobora los logros de Manzur en éste, que se podría calificar como segundo período de su producción, así como la universalidad y contemporaneidad de los valores de su obra.

Notas:

• 6 Marta Traba, “Orfeo Manzur”, La Nueva Prensa, Bogotá, octubre de 1961.
• 7 Walter Engel, “Año de exposiciones individuales”, El Espectador, Bogotá, diciembre 31 de 1961.
• 8 Walter Engel, “Se abre una polémica”, El Espectador, Bogotá, octubre 15 de 1961.
• 9 Leslie Judd Ahlander, “Light Dominates Manzur’s Work”, The Washington Post, Washington, octubre 20 de 1962.
• 10 John Canaday, “Art: Images of Praise in 3 themes”, The New York Times, Nueva York, diciembre 21 de 1963.