De principio a fin

Texto de: Eduardo Serrano

El trabajo de Manzur ha iniciado recientemente un nuevo derrotero bajo el signo de El grito, es decir del clamor exaltado, que puede ser de dolor o de protesta, de angustia o de asombro, pero que, a juzgar por el contexto bastante ominoso en que aparecen sus protagonistas, en ningún caso es de placer o de alborozo. Se trata de obras que por la centralidad de algunos de los personajes y por la teatralidad de sus ademanes recuerdan sus primeras pinturas, realizadas en la segunda mitad de la década de los cincuenta del siglo pasado. Pero en su producción actual se vislumbran todos los conocimientos que el artista ha ido acumulando desde entonces, y ya no se trata del trabajo experimental e idealista del joven recién llegado del África y de Europa con la sangre caliente y la creatividad desbocada, sino de pinturas maduras, expertas, con la sabiduría que sólo puede resultar de largas reflexiones e intensas experiencias, y que le permite al artista plasmar sobre el lienzo o el papel, la acentuación exacta, la temperatura apropiada, el tono preciso para transmitir un contenido que, en su caso, ha sido tradicionalmente resultado de la combinación de pensamientos y sentimientos, aunque en algunos momentos de su trayectoria haya primado la racionalidad.

El Manzur de los años cincuenta actuaba en cine y teatro, producía escenografías, realizaba murales y vitrales al tiempo con dibujos y pinturas, escribía comentarios sobre plástica y se movía como pez en el agua en los ámbitos de la intelectualidad colombiana. Todos los críticos y comentaristas del arte de ese entonces, Calibán, Clemente Airó, Juan Lozano, Dolly Mejía, Nelly Vivas, Waltert Engel, Arístides Meneghetti, José Font Castro, Casimiro Eiger y Marta Traba, se deleitaron profundamente con su obra y se pronunciaron elogiosamente sobre sus logros. Y es apenas lógico que así hubiera sido, porque después de unos trabajos iniciales en los que presentaba figuras humanas en territorios áridos y desolados, el joven Manzur pareció sentir el aguijón de la modernidad, disfrutar y comprender la ruptura picassiana, y partir en pos de un horizonte creativo más libre y ambicioso que el que había tenido la oportunidad de conocer como estudiante.

Desde entonces hasta hoy, su obra ha fusionado magistralmente la contemporaneidad y la historia, audaces contingencias con tradiciones centenarias, y así se hizo patente en esas pinturas de mediados de siglo donde los acentuados ademanes de esas figuras esquematizadas se plasmaron sobre fondos que, no obstante su estructura geométrica, ostentan un reluciente dorado que recuerda los iconos bizantinos. Sobre estas obras que representan músicos, ángeles y madonas un tanto triangulares, afirmó con su peculiar agudeza Marta Traba:

“Este secreto colorista que vivía entre zumos subterráneos utiliza ahora los colores que economizara durante años. Rojos, azules y oros resplandecen límpidamente sobre las formas cristalizadas. La materia ha perdido sus oscuros vicios y se atreve a perpetuas variaciones y modulaciones: los cuadros funden en una trama apretada pero lisible las líneas curvas que viven sin cesar entre el recuerdo del perfil de barca y la memoria del regazo; los raspados, los tonos y colores vivos reforzados por una incansable pincelada; las cuadrículas leves de colores que disfrazan las figuras con traje de damero. La forma se balancea sobre sí misma como los juguetes de niños pesados abajo y livianos arriba que parecen descubrir el movimiento perpetuo. Los pinoles de Manzur cubren estas formas-pinos de ornamentos y entorchados, pero no es un juguete intrascendente el que propone, sino la participación en una fiesta larga y duradera meditada durante años, para la cual se ha elaborado pacientemente cada jubiloso centímetro de tela”. 1

Sus estrechas relaciones con el teatro serían claramente perceptibles, como es apenas natural, en sus trabajos plásticos de entonces, y así seguiría siendo en la mayoría de los períodos en que podría clasificarse su producción a partir de ese momento. Estas relaciones no serían del agrado de los críticos más ortodoxos de mediados de siglo, quienes, entre toda suerte de elogios a su obra, las impugnaron veladamente. Pero esta actitud no debe sorprender teniendo en cuenta que en la época se hallaba en pleno auge la teoría modernista impulsada con particular vehemencia por el crítico norteamericano Clement Greenberg quien proponía que “se eliminara de los efectos de cada arte cualquier efecto que pudiera siquiera parecer remotamente prestado de cualquier otro arte”. 2

A comienzos del siglo xxi en cambio, la relación entre las artes es bienvenida en todos los niveles, y este aspecto de su obra, en lugar de prestarse para algún tipo de reparo, se considera, por el contrario, que la enriquece, que le otorga nuevas perspectivas para su apreciación y que la pone a tono con el pensamiento contemporáneo según el cual el arte debe acercarse a la vida, y ante el cual, todo tipo de rígidas compartimentaciones resulta improcedente. El hecho de haber tendido un temprano puente entre el teatro y la plástica podría, inclusive, calificarse actualmente como una estrategia audaz y premonitoria.

Acerca de las virtudes más celebradas por los comentaristas de esta primera etapa de su producción y que aún tienen vigencia pueden citarse así mismo las palabras de Calibán (Enrique Santos), quien reconoce que el artista “respeta el cuerpo humano” y afirma que “se aleja tanto de la pintura fotográfica y pueril como de las extravagancias de los snobs”.3

También la calificación de su trabajo como “de marcada tendencia figurativo-expresionista” por parte de Walter Engel y su aserción de que el artista “sabe dar expresión a rostros, manos y movimientos; sabe como pocos utilizar los efectos y la extensión del espacio; sabe sugerir sentimientos, sensaciones y angustias, y dispone de un brochazo y una seguridad de ejecución envidiables”, podría aplicarse a sus pinturas más recientes.4 Y no deja de admirar que inclusive pintores ya plenamente establecidos en ese entonces como Ricardo Gómez Campuzano y Luis Alberto Acuña, mucho más cercanos al clasicismo que a los rasgos cubistas, expresionistas e inclusive surrealistas que se vislumbraban en estos primeros trabajos de Manzur, se pronunciaran entusiastamente sobre su producción.5

Notas:

• 1 Marta Traba, “David Manzur versus Carlos Rojas”, El Tiempo, Bogotá, domingo 7 de septiembre de 1958.
• 2 Tony Godfrey, Conceptual Art, Londres, (Phaidon Press Limited, 1999, p. 87.
• 3 Calibán, Catálogo de la Exposición de David Manzur en los salones de Fenalco, Armenia, julio de 1953.
• 4 Walter Engel, “Pintura y escultura en Bogotá”, El Tiempo, Bogotá, 29 de diciembre de 1957.
• 5 Luis Alberto Acuña, “El Salón de Artistas Colombianos”, El Tiempo, Bogotá, 23 de octubre de 1957.