Proyecto estético

Gallos / 1962 / Acuarela sobre papel / 50 x 70 cm 

Sin título / 1962 - 1963 / Acuarela sobre papel / 39,5 x 57 cm 

Sin título / 1962 - 1963 / Acuarela sobre papel / 39,5 x 58,5 cm 

Texto de: Lylia Gallo

Trabajador incansable, asumió el arte como un compromiso vital y no hubo campo de la actividad plástica en el cual no incursionara. Considerando la génesis artística de la obra, es decir, el punto de vista del artista, la intención inicial de éste parte de inquietudes y sentimientos, actuando siempre en forma experimental con dos elementos básicos –la figura femenina y el paisaje–, a los que en las últimas décadas agrega el color y todas sus posibilidades expresivas, para conformar finalmente un “paisaje mental”.

Aunque su producción muestra equilibrio entre sensibilidad y estudio a fondo de fenómenos físicos como luz y espacio, su interés fundamental se centra en el problema artístico propiamente dicho. Teniendo en cuenta la situación del campo artístico en que le tocó actuar, las motivaciones que lo indujeron a escoger un oficio creador, el contenido de sus escritos y los demás indicios que permiten acercarse a su obra, puede concluirse que su arte no es testimonial. No le interesa la política e igualmente se aparta de problemas específicos del país en esas décadas, como la violencia y el narcotráfico. Aunque es evidente que los conocía y lo conmovían, prefirió evadirse hacia la problemática artística y el mundo académico, intentando más bien influir profundamente en sus alumnos.

Aragón no se comprometió con una posición única en materia de arte. Se puede afirmar que, a lo largo de su vida, mantuvo una postura oscilatoria entre figuración simbólica y abstracción sensible y lírica. En sus más de sesenta exposiciones individuales y colectivas es posible percibir la inquietud y el interés por el análisis y la resolución de problemas de índole metafísica y racional, el sentido de la observación, la profunda sensibilidad y la fina percepción visual y emocional que lo acompañaban. Admiraba el arte clásico, aunque su temperamento tendía hacia la exuberancia.

Su interés por la naturaleza lo llevó a alcanzar una elaboración simbólica de la realidad, llegando en su etapa final a trabajar verdaderos paisajes mentales. En algunos momentos, como el de Victoria, la acuarela con la que gana una Mención de Honor en el Salón de Artistas Nacionales de 1961, un año antes de que Alejandro Obregón obtuviera el Gran Premio Nacional de Pintura en el siguiente Salón por su obra Violencia, Aragón alude a la situación de su entorno, lo que pone en evidencia la sintonía del pintor con el medio artístico, cultural y social del país en ese momento. Toma un elemento de la cultura popular, las riñas de gallos, para acercarse a la violencia. Es la figura yacente sobre la espalda de un gallo de pelea abatido y vencido, tal vez en sus últimos estertores, que al caer produce esa explosión de línea y color, como si la vida que está terminando estallara sobre la superficie del cuadro en forma dramática y simbólica. Pero ese acercamiento es fugaz. Aragón prefiere refugiarse en el mundo que él mismo crea y en el cual las preocupaciones son sólo de carácter estético. Su realidad, es una realidad poética y artística.

Como todo artista verdadero del siglo xx, inmerso en la modernidad, actúa con entera libertad y el ánimo de atreverse a todo. Relaciona cada obra creativa con su propia producción anterior, con el arte universal contemporáneo y colombiano, con la historia del arte de todos los tiempos y con la conciencia de su momento histórico. Guiado por su extenso conocimiento del quehacer artístico, mediante el paciente, consciente y meticuloso oficio de pintor, acude a las técnicas de los grandes maestros del Renacimiento, tanto en el elemento portante como en los pigmentos aplicados, obteniendo soluciones propias que, de alguna manera, se conectan con su intención creativa y su expresión personal.

Aspira a la autonomía de la obra, según palabras de Paul Klee: “Hay que confesar un sentimiento muy propio, hay que reconocer que ella tiene que realmente definirse a sí misma en su propio lenguaje”. La labor del artista es simplemente pintar, no explicar, dejar que la obra hable por sí sola. Llevar a otros en la dirección en que se mueve el espíritu del pintor, crear nuevas orientaciones de pensamiento futuro, dejar una puerta abierta para seguir adelante con búsquedas, contradicciones, negaciones, que se puedan traducir o trasladar a otros medios, de carácter universal, que se puedan ubicar vivencialmente en cualquier otra dimensión. Intuyó de este modo el carácter del arte, pretendiendo que su obra tuviera múltiples significaciones y que al espectador, como agente activo, se lo forzara a hallar su propia interpretación.