Mirada al sesgo

Texto de: María Victoria Uribe
Antropóloga

En una entrevista que le hicieron hace algunos años, Julia Kristeva se refiere al tema de la representación de la violencia en los siguientes términos:

Los trabajos del intelecto y las artes se encuentran a mitad de camino entre la condición de un robot consumidor y la de los que sufren una ansiedad patológica. Esos trabajos son emplazamientos efectivos de la ansiedad y la revuelta. Lograr la representación de tal estado de ansiedad es el objetivo del artista. No se trata de alegar que aquello no existe, o de conformarse con vivir al margen, sino de representar la revuelta para así sobrevivir. Sin embargo, a diferencia de otras, algunas formas de representación contienen referencias más explícitas a la vivencia de la revuelta. Muchos artistas han intentado representar la violencia traduciendo en obras de arte sus experiencias extremas de revuelta, muerte y destrucción. He notado que las representaciones de violencia tienden a usar dos estrategias contrarias: por una parte, una estrategia literal que reproduce la experiencia de la violencia tan fielmente como sea posible; por la otra, una estrategia metafórica que renuncia a la referencia directa, en favor de la sugestión y la evocación.

A las preguntas, “¿cuál de esas dos estrategias para representar la violencia constituiría un acto más acertado de revuelta? y, ¿qué efectos producen estas dos formas de representación en la psiquis del espectador?”, Kristeva responde:

Los artistas ponen en escena la especie ‘correcta’ de violencia a través de su trabajo. Al apropiarse de lo que se encuentra fuera de sí mismo, el artista llega a alcanzar un equilibrio entre el yo y el mundo. Esta alquimia tan delicada, cuyo valor a menudo menospreciamos, es un acto de creación que se ubica precisamente en el intersticio que separa al individuo del mundo, un espacio privilegiado donde entran en juego la metáfora, la metonimia y otras figuras retóricas. El papel del artista no está en hacer una copia fiel de la realidad; más bien, está en darle forma a nuestra actitud frente a la realidad 1.

La obra reciente de la artista colombiana, Clemencia Echeverri, se inscribe en el campo de las representaciones de la violencia a la manera de una mirada al sesgo, es decir, como una mirada evocativa que se origina en la exploración de la cotidianidad, de aquello que nos es tan familiar que no lo reconocemos.
?De la resignificación de la cotidianidad emana la fuerza de su obra. Al respecto, dice la artista: “En principio me interesa detenerme en la imagen cotidiana, que nos pertenece a todos, para identificar, mediante procesos de elaboración múltiple, sus conexiones con nuestra memoria y conciencia original” 2. Al orden de esa cotidianidad invisible pertenecen algunos de los sujetos de su obra, como las voceadoras que se desplazan por los barrios del norte de Bogotá gritando “botella y papel”, y los incontables rostros anónimos de los habitantes del barrio El Cartucho. Una cotidianidad que, a fuerza de estar allí, ha dejado de estar.

Se trata de una obra audiovisual y, especialmente, auditiva que se inscribe en la representación de la violencia, del anonimato y la invisibilidad, a partir de la transmutación temporal de la experiencia. Hablando del tiempo, la artista nos dice: “El trabajo de campo es un documento que aporta materia viva, la cual debe aislarse bajo otra temporalidad, ubicada por fuera del ritmo demoledor de los medios de comunicación”. Tenemos aquí un primer deslinde con relación a la presentación literal de la violencia. Continúa la artista: “Desde el arte, este material-documento es experiencia para ser sometida a la acción del artista. Mediante operaciones propias del arte, lo que tendrá que revelar es su verdad ancestral y estructural” 3.

La declaración anterior pone en evidencia una técnica de trabajo que recuerda la del palimpsesto que interpretan los historiadores: un objeto que se constituye a partir del trabajo del tiempo y de la superposición de una serie de escrituras y signos. La artista considera que “el arte moviliza la temporalidad fija que posee el documento y lo lanza a un estado atemporal, supera la información más elemental y procede a estimular el orden de la interpretación y el sentimiento” 4. La materia viva y el documento son esenciales para esta artista, preocupada por buscar y encontrar el sustrato invisible de los acontecimientos. En tal sentido, su obra semeja una compleja estratigrafía de sentidos, tal como la que leen los arqueólogos. La mirada del arqueólogo también busca trazas de sentido en los restos que deja la vida cotidiana.
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Notas

• 1. KRISTEVA, Julia. Revolt, she said. Semiotext. Ed. Foreign Agents Series. Los Angeles, 2002: 119-123.
• 2. Tomado de la entrevista que Piedad Bonnett le hiciera a la artista para el catálogo de Cal y Canto.Universidad Nacional y Museo de Arte Moderno: Bogotá, 2002.
• 3. Ibid.
• 4. Ibid., p. 30.